Comentario a un compañero

Comentario del trabajo del Compañero Ivan Romero.
En las pinturas de Ivan podemos observar la soltura que ha conseguido, con las pinceladas o con la pintura derramada en la tela, ya sea controladas o al azar, las manchas se desplazan y se conjugan armoniosamente para estabilizase en la creación de una atmósfera, pero que esta estabilización no es detenimiento, sino un momento del desplazamiento de ésta. El color de manera sutil estalla y nos evoca esos cambios atmosféricos, que puede ir desde los cambios del cielo hasta el campo de la acuosidad, cielo y mar en un solo estado. La presencia de color nos lleva a a otro estado del pensamiento tal vez más a lo sublime, esa característica que tiene los fenómenos naturales, nuestro pensamiento se paraliza y se abren nuestros sentidos, la luminosidad del color, su propiedad nos muestra el carácter romántico por un lado de la obra, y por el otro lado la característica efímera de estas atmósfera nos muestran la posible conexión con la parte espiritual . Éste movimiento frenado por un instante nos da cuenta de un tiempo en el espacio natural, éste tiempo de variación o de repetición, estas formas pueden ser las mismas o nunca más las mismas. Las pinturas de Ivan nos llevan por esos mundos imperceptibles, cambiantes he inaprensibles.

Comentario de lectura

Consideraciones sobre la Educación Artística ( Rudolf Arnheim )
Rudolf muestra la visión de la educación evolutiva, nos muestra como desde la infancia se va desarrollando la cognición, nos alude a que el niño debe involucrarse con todo su yo ( pensamiento, percepción) al proceso educativo y que el campo artístico es uno de lo más adecuados para ésto. Considera el proceso como un hecho cognitivo, es decir, percepción y creación están conectados naturalmente a la mente,que el sistema sensorial es nuestro principal recurso de nuestra vida cognitiva. Deja así señalado un aprendizaje abierto y totalizador a través de la experiencia, para aprender como para crear imágenes necesitamos de la invención e imaginación, él por tanto nos demuestra que los sentidos son parte de un todo cognitivo que aporta contenido para que la mente se desarrolle.
Cuestiona las escuelas y la educación con el método conductivo que tienen en su enseñanza un carácter incorpóreo y fragmentado, éstas prestan mucha atención a la mecánica gramatical dejando a un lado la percepción y la de las formas, siendo las artes los medios más poderosos para que el niño logre experimentar las características únicas del mundo que habita, para que con ésto pueda acrecentar el conocimiento.
Así va desarrollando sus principales ideas la relación de la intuición con el intelecto, dice que éste opera diacrónica mente mientras aquel puede depender de la sincronía, mientras que uno se desarrolla con el tiempo el otro donde un todo confiere significados a sus componentes y viceversa.
Nos explica otro de los componentes fundamentales del proceso del desarrollo del aprendizaje que es la diferenciación y generalización, por un lado debemos reconocer y esto exige una diferenciación pero al mismo tiempo una unidad como una generalidad.
Nos recuerda que le medio y la forma que se usan realizan una función epistemológica: nos ayuda a conocer.
La visión misma en una función de la inteligencia, que al interpretación y significado son un aspecto indivisible de la visión y que el proceso educativo puede potenciar o frustrar estas habilidades humanas, nos recuerda que en la raíz del conocimiento hay un mundo sensible, algo que podemos experimentar y que el niño intenta dar forma pública a lo que ha experimentado. La estructura que adopta esta forma la limita y la hace posible el medio al que tiene acceso y que sabe usar. Nos coloca el el centro de todo experiencia, el percibir a plenitud y lo que esto significa para lea realización de la vida.

Antecedentes Personales.

Para destacar el comienzo de mi trabajo Plástico a nivel práctico y conceptual debo realizar un breve recuento de mi desarrollo artístico, trataré de ser lo más sincero y aunque no toque fondo me acercaré lo más que pueda al origen de mi trabajo. Mi curiosidad y fijación en el dibujo y la pintura fue desde muy temprana edad, mis primeros acercamientos a las artes plásticas en el colegio por un lado y por el otro mis primeros libros de lectura con sus ilustraciones me atrapaban, empecé a copiar aquellas imágenes desde las portadas hasta el contenido del mismo, así mi afición empezó a desarrollarse, luego llegaron otros libros: suplementos de los héroes americanos: Batman, Superman, el hombre Araña, el Enmascarado, Caliman, que calquiar y copiaba con afán, otros suplementos de historias del legendario oeste, calcomanías y dibujos animados de disney: pluton, el gato ton, el ratón micky, espiri gonzales, mazigger, cuentos clásicos: blanca nieves y los 7 enanos, el gato con botas, los tres cochinitos, la cenicienta, entre otros que mi memoria no recuerda, en sí todo lo que pasaba por mis manos y mis ojos eran objeto de reproducción, debo mencionar los trabajos escolares, fechas tradicionales o motivos históricos, al llegar al secundaria me alejo un poco del dibujo artístico y empiezo a ver dibujo técnico, la utilización de medidas la elaboración de proyecciones, la construcción de solidos, los planos, la copia de piezas mecánicas, fueron 5 años de dibujo técnico, pero sin dejar de tener el interés por el dibujo y la pintura.

A los 15 años paseando por el centro de la ciudad veo unos cuadros frente ala biblioteca Nacional. Desde ese momento no dejaba de visitarlos los cuales en un momento me invitaron a pintar, pero no fue hasta los 19 años que decidí dejarlo mis estudios de administración por la pintura. Siempre me intereso el color desde mis primeros años me atrapo su mágica energía, su poder lumínico, la realización a esta edad fueron la copia algunos paisajes de los holandeses que conseguí en algún libro de la historia de arte, en los que seguí tratando de copiar fielmente con delicadeza y empeño, para que los colores fueran lo más parecido, así que seguía creciendo mi interés por la reproducción de dichos cuadros, cada vez era mayor que empecé a olvidarme de lo demás sólo entonces la pintura fue lo más importante en mi vida, me propuse a a prender a través de los grandes maestros. Siempre escuche y así lo pensaba que estas pinturas eran la reproducción de la realidad , por lo tanto mi anhelo era conocer y de alguna manera conocer era entrar dentro de esa realidad, fueron años de duro trabajo y por supuesto desarrolle mis habilidades y destrezas, seguía copiando reproducciones de aquellos libros, bodegones flamencos, paisajes impresionistas, figuras renacentistas, naturalezas muertas modernistas pasaba la mitad del tiempo hojeando los libros en la biblioteca y la otra mitad del tiempo en mi casa pintando y con los pintores en el centro tratando de vender mis inicios. Llego un momento después de 7 años y con el conocimiento que había adquirido, de las historias de algunos pintores que había leído que no estaba conforme con mi trabajo y pensé que el arte iba más allá de una simple reproducción, entonces me intereso los estudios formales, profesionalizarme, inscribirme en una universidad de artes a estudiar pintura a ser un pintor realmente, verdadero.

Así que emprendí mi viaje a esta ciudad con mi sueño a cuesta hace 11 años. Ingreso a la Cristóbal Rojas en el año 2000, allí seguí desarrollando las técnicas y el estudio de investigación, aquí el empeño fue el estudio de la figura humano a profundidad, ya que si había un secreto consideraba que debía estar en el ser humano, realmente el planteamiento era conocer al hombre a través de mi, conocerme a mi mismo, utilizando al hombre para justificar mi existencia, el hombre es complejo y en su interior está parte del misterio de la creación es poderoso pero paradójica mente es frágil y efímero. Estudiar su forma osea, su estructura muscular es una tarea que ya está asignada si se quiere por Leonardo y se tiene que realizar como requerimiento de aprendizaje, es el comienzo para ir más allá, que su estructura está relacionada intrínsecamente con sistemas más sutiles y complejos que se sintetizan el cerebro órgano rector de las funciones del ser humano. Esté estudio me lleva hacia la nueva figuración en Venezuela, debo decir, que los estudios de arte no sólo los veo como una carrera Universitaria sino también como una opción de vida, para mi el arte y la vida están ligados, por lo tanto mi estudios de la figura humana, del realismo o del naturalismo, como se quiera nombrar con sus definiciones devienen el la Nueva Figuración, ya que si el arte es una actividad para expresar sentimientos, es también una actividad cognitiva de la realidad, pero el primer aspecto regía mi trabajo, mi intuición emocional por lo tanto desemboca en éste movimiento. Presto pues en lo posible a descubrir y aprender en lo posible la esencia de la pintura y consustanciarme con ella, con toda mi voluntad, realizo mi tesis. Cuando entro a la Reverón después de 2 años de interrumpir mis estudios formales , pero sin dejar de investigar, de la misma manera me dedique a dibujar caricaturas. Así que mi punto de partida en esta nueva etapa es precisamente la nueva figuración , cuyo iniciador se considera a Francis Bacon, partí de este artista, la referencia era las emociones, las angustias del hombre, el hombre atrapado en si mismo, en sus circunstancias, la libertad solo es un concepto de manipulación en la práctica para que el hombre pueda realizar cosas bajo su interés, hablar de ésto es asunto de otro punto, ya que no se trata de exponer referencias históricas, ni de ponencias teóricas, sino de que tengan un aproximado de mi desarrollo artístico. Emparentado a la Nueva Figuración también estudie el Expresionismo del puente 1905 y del jinete azul 1911 cuya características era la expresión de seres retorcidos hasta el morbo distanciándolos del fondo con lineas negras, pero aun más cerca el neo-expresionismo de los años 80, cuyos artistas renuevan la pintura mostrando no sólo la secuela de la guerra y de un poder represor sino la posibilidades mate ricas de la pintura. Aquí encuentro un punto critico en mi desarrollo cual era la conexión con éste movimiento, mi conflicto interno algo estaba reprimiendo mi acción, había un sistema represor considero que en menor escala algo de esto pasaba. Estando en el segundo semestre con el profesos Octavio Russo realizo un estudio de rostros y autorretratos, ahora centraba mi investigación era en los gestos, desde el punto de vista psicológico, determinando una imagen especular, es decir una mirada a otra mirada, pues es en este punto donde se centra el estudio del rostro como se dice la mirada es el lumbral del alma del ser humano, pero antes de ésto me encuentro con su condición psíquica, otro aspecto a estudiar del ser humano, aun más complejo que su estructura corporal, desde aquí parte lo que será mi trabajo especial de grado y no sé si hasta ahora quede determinado. Mirar hacia adentro del ser humano, pero por correspondencia de los contrarios también nos remite hacia afuera, hacia su contexto.

Este planteamiento me lleva a realizar una introspección a requerir de mi necesidad más sincera, por otro lado revisar mi proceso práctico y conceptual en la pintura. Ahora estaba en un nivel donde ya no consideraba que representar fielmente la realidad, describir un lugar, ni tampoco los objetos, ni destacar sus cualidades, era lo importante, sino más bien prescindir de ellos en la medida de lo posible, sino ir más profundo a la esencialidad de la realidad, a una realidad más intima, a un principio a un origen, al comienzo generador y productor de una realidad, de un mundo, dela vida misma de su desarrollo de su evolución, por lo tanto mi trabajo se vuelve abstracto , pero no lírico, ni onírico, sino geométrico. ¿ Por Qué Geométrico ? En el avance de mi desarrollo artístico he tomado el principio de Socrates “ conócete a ti mismo”,la pintura es un reflejo de sí mismo en parte, de ella he aprendido siempre que reviso, que volteo atrás, me veo allí reflejado y como dije anteriormente arte y vida para mi son lo mismo, he crecido con el arte, tuve esta etapa emocional, por una u otra razón no explicable en éste momento. Ahora una etapa más conceptual, una madures si es que se puede decir,y he aquí el uso de la geometría, son formas que te conectan con lo esencial y más que un sentimiento o una emoción, es una experiencia con el origen y desarrollo de la la vida. Cada una nos conlleva a una condición, por acción simbólica, cumple su función perceptible que se organiza en el intelecto. La utilizo para tener una correspondencia con la razón, la necesito como un referente externo para anclarme, para fijarme a la realidad, para darle pautas a mi emoción, encontrar calma, tranquilidad a mi angustia, pero lo hago no de una manera rígida, sino que mantengo una soltura aunque se pueda ver torpe, recurro a lo que se a denominado abstracción sensible. Fuera de la simbología de las formas surge la supremacía del color, como sensación, su interacción, su naturaleza, su esencia, su reposo en sí mismo, su manifestación frente a la luz, la luz como fuente de su existencia. Forma y color conjugados para expresar un mundo sensible más allá del intelecto, recibido a través de nuestros sentidos, principalmente el de la visión.

Descriptores

Abstracción Geométrica, Minimal-art, sensación, color, figuración esquemática,, espacio,gesto , luz, ciudad, extensión, símbolo,concepto,materia, recuerdo, sociedad, realidad, intimidad, origen, desarrollo, evoluciñon, intensidad, luminosidad, comunicación, desmistificación

A.R.Penk

Ralf Winkler, conocido como A.R.Penk: Nace el 5 de Octubre de 1939
En sus obras de los años 80 Penk desarrolla una serie de códigos y símbolos indescifrables que plagan sus obras pero por encima de todo destacan unas figuras de palo. Son unas figuras que siempre presiden sus obras y que responden a diversos prototipos desde las figuras más simples hasta las representaciones de indígenas o unos seres robotizados.
Destaca mucho el dibujo, con línea negro gruesa, muy destacada y unos colores básicos muy vivos. Siempre buscando el contraste, tanto en el dibujo como en el color. Generalmente el fondo queda claramente dividido en dios bloques con símbolos diferentes, prácticamente antagónicos, metáfora de los bloques que dividían el mundo.
En los 80 llegó rápidamente a ser famoso a nivel mundial por su destacada destreza con la pintura pictográfica, con su característico arte totémico y el uso de formas primitivas para el esbozo de las formas humanas. Las imágenes de Penk se presentan reducidas a meras formas esquemáticas con las que configura un lenguaje basado en pictogramas que se inspira en el vasto conocimiento que tiene del arte rupestre. Al igual que éste el construye un código simbólico con el que pretende testimoniar la situación del mundo actual aunque alejándose ya de cualquier poso de misticismo existente en las escenas cinegéticas del mundo de las cavernas. El referente de caza se sustituye por la acción bélica, en la cual el individuo es al mismo tiempo presa y cazador de sus semejantes al encontrarse determinado por la crisis mundial que gobierna un nuevo orden en el que cazar ya no es sobrevivir sino exterminar.
Al mismo tiempo, en este conjunto de imágenes ancestrales re-interpretados, subyace un estudio semiológico de la disciplina pictórica, a la que trata de devolverle el valor comunicativo que la hizo surgir en los orígenes de la humanidad intentando re-establecer su papel como canal entre el artista-emisor y el espectador-receptor. Se diluye sin embargo, el carácter universal y comunicativo del arte primitivo para dar paso a una función relativa del código pictórico dependiente de la interpretación que cada receptor realice del significante,lo cual supone una subversión ante el mensaje global de la propaganda propia de regímenes totalitarios. Así el artista subraya la necesidad de una transformación socio-política del mundo basado en el poder de las libertades individuales, las cuales se ven mermadas bajo el poder totémico de un sistema autoritario que llevaba décadas enfrentado a los habitantes de una Alemania dividida y manipulada.
Todo este ambiente dinámico,psicótico y convulsionado de la última mitad del siglo XX se traduce a una construcción compositiva centrífuga y múltiple capaz de desarrollar una estructura narrativa basada en la simultaneidad de imágenes simbólicas. Dicho lenguaje compositivo evoluciona desde una primera etapa ligada al mundo egipcio y Mesopotámico
hasta la creación de unas estructuras narrativas más próximas a la cerámicas áticas del s IV a .C. Es precisamente ésta apropiación histórica el que define la evolución de sus formas plásticas que ahondan en las raíces de la pintura en el sentido bidireccional y complementario ya que , por un lado, el artista se inunda de los que definen los orígenes de la historia del arte universal mientras que, por el otro lado, explora la génesis de la tradición pictórica germana que tiene como momentos culminantes el circulo de Viena, la figura de Schiole y la vanguardia Expresionista. Las esculturas, aunque menos familiares, evocan los mismos temas primitivos que sus pinturas y dibujos y utiliza materiales comunes tales como: madera, botellas, cajas de cartón, latas, cinta de embalaje, papel de estaño y de aluminio, alambres y engrudo, todas montadas con simpleza y espontaneidad.

A pesar del poco detalle estético, la calidad áspera y simpleza de su construcción, tienen las mismas formas antropomorfas simbólicas, como el de sus pinturas simbólicas planas. Sus pinturas posiblemente estén influenciadas por los trabajos de Paul klee y mezclan la llanura de la escritura egipcia o maya con la crudeza de las últimas pinturas negras como las de Pollock de Jackson.

Mercedes Pardo
Nace en CARACAS EL 20 DE Julio de 1922. Realiza estudios en al Escuela de artes aplicadas de Caracas. Su evolución dentro de la abstracción lírica se cumple entre 1952 y 1958, cuando persigue al autonomía del cuadro a través del tratamiento sensorial del color. Seguidamente realizó una serie de monotipos y luego los collages en 1965, interesada en el color frente al azar. Básicamente,la organización de colas es el punto de partida para su obra geométrica. Expansión del color y equilibrio de la composición en base a la s relaciones del color según los tres principios clásicos formulados por Mondrian: Area o extensión, intensidad, y distribución del plano.

Scully, Sean
Dublín, 1945
Pintor y fotógrafo estadounidense de origen irlandés
Tras estudiar arte en Londres, marcha a estados Unidos en 1975, donde conoce directamente la tradición de la Escuela de Nueva York, además de Mondrian, Paul Klee y Matisse, estas influencias, fundamentalmente la de Rothko, le sirve para construir, en la década de los 80, un nuevo concepto de pintura abstracta que parte del expresionismo y el minimalismo, de los que extrae la fuerza del gesto, la sensualidad de la luz y el color y el orden compositivo geométrica. El resultado son estructuras reticulares, semejantes a dameros, que recogen ritmos en su alternancia y color semejante a los rhythm&blues americanos, unas de sus pasiones. Pinturas de gran escala se presentan como grandes paisajes fragmentados, con diferentes puntos de vista, que el espectador debe construir, y con la que intenta dar poder expresivo a sus composiciones: dolor, felicidad, soledad, verdad, placer, etc. En una búsqueda de un concepto ideal y romántico, como sinónimo de individualismo, de la belleza, la forma y la transcendencia. Igualmente sus fotografías de segmentos arquitectónicos que comienza a realizar en 1978, exponiéndolas por primera vez en 1997, sugieren las mismas relaciones entre luz y estructura de su obra pictórica.
Jean Dubuffet
Jean Philippe Arthur Dubuffet: Nace el 31 de Julio de 1901 en Le Havre y muer el 12 de mayo de 1985 en París.
Acuña el término Art Brut ( arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes, mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloise Corbaz y Adolf Wofli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el art brut, crea figuras elementales y pueriles y ,a menudo crueles; inspirado en los dibujos de los niños, los criminales y dementes, personajes bufos, morbosos, como las mujeres de su serie “Dames” o seres infrahumanos, figuras deformes, absurdas y grotescas como los ciclos “Barbas”.
Muchos de los trabajos fueron realizados con Óleo, utilizando un lienzo reformado con materiales tales como: arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturizada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitan a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1060 se volcó más a al realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, los que pintaba con vinílico.

En 1932 abandonó París por la crisis económica y se instaló en Madrid, en plena república, creando en 1933 el Grupo Constructivo, con el que expuso en el salón de Otoño.El grupo escribió tres textos en los que se reflejaba el espíritu con el que nació el grupo, llamándolos Guiones, en ellos es apreciable la influencia de Torres Garcia.
En 1938 empezó a mostrarse influido por el arte precolombino e indñigena, como se puede apreciar en su obra Monumento Cósmico, yuxtaponiendo figuras como las que utilizaba en París, figuras que hacían referentes al hombre y las ciudades con las propias de la tradición simbólica indígena de América del Sur.
Desde el punto de vista filosófico, recibió una influencia de la s doctrina de la Teosofía de Helena Blavatsky y de la Antroposofía de Rudolf Steiner, al igual que otros artistas de la época como Piet Mondrian, Paul klee y Vasili Kandinsski.En 1932 se relacionó con la Sociedad Teosófica en Uruguay donde pronunció la conferencia "Geometría, creación y proporción"
Su desesperación por la dificultad de implantar el Arte Constructivo en Uruguay le llevó a proponer una vuelta a la figuración rescatando el uso del Constructivismo y utilizando simbología cultural propia del Indio Americano.

Antecedentes Históricos

A continuación presentare mis antecedentes históricos, la presentación será por cada artista tocando lo más relevante de su trabajo,en cuanto a mi conexión con dichos artistas, cada artista tiene elementos tanto formales teóricos como prácticos, que he ido añadiendo de una manera u otra a mi trabajo, con esto no quiero decir que he copiado, sino son referentes que nacen de la intuición e inconscientes, que luego he concientizado para estar más claro en cuanto a el porque de mi identificación con las obras de los siguientes artistas.
Torres García.