A.R.Penk

Ralf Winkler, conocido como A.R.Penk: Nace el 5 de Octubre de 1939
En sus obras de los años 80 Penk desarrolla una serie de códigos y símbolos indescifrables que plagan sus obras pero por encima de todo destacan unas figuras de palo. Son unas figuras que siempre presiden sus obras y que responden a diversos prototipos desde las figuras más simples hasta las representaciones de indígenas o unos seres robotizados.
Destaca mucho el dibujo, con línea negro gruesa, muy destacada y unos colores básicos muy vivos. Siempre buscando el contraste, tanto en el dibujo como en el color. Generalmente el fondo queda claramente dividido en dios bloques con símbolos diferentes, prácticamente antagónicos, metáfora de los bloques que dividían el mundo.
En los 80 llegó rápidamente a ser famoso a nivel mundial por su destacada destreza con la pintura pictográfica, con su característico arte totémico y el uso de formas primitivas para el esbozo de las formas humanas. Las imágenes de Penk se presentan reducidas a meras formas esquemáticas con las que configura un lenguaje basado en pictogramas que se inspira en el vasto conocimiento que tiene del arte rupestre. Al igual que éste el construye un código simbólico con el que pretende testimoniar la situación del mundo actual aunque alejándose ya de cualquier poso de misticismo existente en las escenas cinegéticas del mundo de las cavernas. El referente de caza se sustituye por la acción bélica, en la cual el individuo es al mismo tiempo presa y cazador de sus semejantes al encontrarse determinado por la crisis mundial que gobierna un nuevo orden en el que cazar ya no es sobrevivir sino exterminar.
Al mismo tiempo, en este conjunto de imágenes ancestrales re-interpretados, subyace un estudio semiológico de la disciplina pictórica, a la que trata de devolverle el valor comunicativo que la hizo surgir en los orígenes de la humanidad intentando re-establecer su papel como canal entre el artista-emisor y el espectador-receptor. Se diluye sin embargo, el carácter universal y comunicativo del arte primitivo para dar paso a una función relativa del código pictórico dependiente de la interpretación que cada receptor realice del significante,lo cual supone una subversión ante el mensaje global de la propaganda propia de regímenes totalitarios. Así el artista subraya la necesidad de una transformación socio-política del mundo basado en el poder de las libertades individuales, las cuales se ven mermadas bajo el poder totémico de un sistema autoritario que llevaba décadas enfrentado a los habitantes de una Alemania dividida y manipulada.
Todo este ambiente dinámico,psicótico y convulsionado de la última mitad del siglo XX se traduce a una construcción compositiva centrífuga y múltiple capaz de desarrollar una estructura narrativa basada en la simultaneidad de imágenes simbólicas. Dicho lenguaje compositivo evoluciona desde una primera etapa ligada al mundo egipcio y Mesopotámico
hasta la creación de unas estructuras narrativas más próximas a la cerámicas áticas del s IV a .C. Es precisamente ésta apropiación histórica el que define la evolución de sus formas plásticas que ahondan en las raíces de la pintura en el sentido bidireccional y complementario ya que , por un lado, el artista se inunda de los que definen los orígenes de la historia del arte universal mientras que, por el otro lado, explora la génesis de la tradición pictórica germana que tiene como momentos culminantes el circulo de Viena, la figura de Schiole y la vanguardia Expresionista. Las esculturas, aunque menos familiares, evocan los mismos temas primitivos que sus pinturas y dibujos y utiliza materiales comunes tales como: madera, botellas, cajas de cartón, latas, cinta de embalaje, papel de estaño y de aluminio, alambres y engrudo, todas montadas con simpleza y espontaneidad.

A pesar del poco detalle estético, la calidad áspera y simpleza de su construcción, tienen las mismas formas antropomorfas simbólicas, como el de sus pinturas simbólicas planas. Sus pinturas posiblemente estén influenciadas por los trabajos de Paul klee y mezclan la llanura de la escritura egipcia o maya con la crudeza de las últimas pinturas negras como las de Pollock de Jackson.

Mercedes Pardo
Nace en CARACAS EL 20 DE Julio de 1922. Realiza estudios en al Escuela de artes aplicadas de Caracas. Su evolución dentro de la abstracción lírica se cumple entre 1952 y 1958, cuando persigue al autonomía del cuadro a través del tratamiento sensorial del color. Seguidamente realizó una serie de monotipos y luego los collages en 1965, interesada en el color frente al azar. Básicamente,la organización de colas es el punto de partida para su obra geométrica. Expansión del color y equilibrio de la composición en base a la s relaciones del color según los tres principios clásicos formulados por Mondrian: Area o extensión, intensidad, y distribución del plano.

Scully, Sean
Dublín, 1945
Pintor y fotógrafo estadounidense de origen irlandés
Tras estudiar arte en Londres, marcha a estados Unidos en 1975, donde conoce directamente la tradición de la Escuela de Nueva York, además de Mondrian, Paul Klee y Matisse, estas influencias, fundamentalmente la de Rothko, le sirve para construir, en la década de los 80, un nuevo concepto de pintura abstracta que parte del expresionismo y el minimalismo, de los que extrae la fuerza del gesto, la sensualidad de la luz y el color y el orden compositivo geométrica. El resultado son estructuras reticulares, semejantes a dameros, que recogen ritmos en su alternancia y color semejante a los rhythm&blues americanos, unas de sus pasiones. Pinturas de gran escala se presentan como grandes paisajes fragmentados, con diferentes puntos de vista, que el espectador debe construir, y con la que intenta dar poder expresivo a sus composiciones: dolor, felicidad, soledad, verdad, placer, etc. En una búsqueda de un concepto ideal y romántico, como sinónimo de individualismo, de la belleza, la forma y la transcendencia. Igualmente sus fotografías de segmentos arquitectónicos que comienza a realizar en 1978, exponiéndolas por primera vez en 1997, sugieren las mismas relaciones entre luz y estructura de su obra pictórica.
Jean Dubuffet
Jean Philippe Arthur Dubuffet: Nace el 31 de Julio de 1901 en Le Havre y muer el 12 de mayo de 1985 en París.
Acuña el término Art Brut ( arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes, mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloise Corbaz y Adolf Wofli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el art brut, crea figuras elementales y pueriles y ,a menudo crueles; inspirado en los dibujos de los niños, los criminales y dementes, personajes bufos, morbosos, como las mujeres de su serie “Dames” o seres infrahumanos, figuras deformes, absurdas y grotescas como los ciclos “Barbas”.
Muchos de los trabajos fueron realizados con Óleo, utilizando un lienzo reformado con materiales tales como: arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturizada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitan a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1060 se volcó más a al realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, los que pintaba con vinílico.